Altamont é uma estrada no norte da Califórnia, perto de Livermore. Foi lá que aconteceu em 6 de dezembro de 1969, há 40 anos, o evento promovido pelos Rolling Stones, Altamont Speedway Free Festival (The Killer Concert, como passou a ser conhecido), com convidados como Grateful Dead, Santana, Jefferson Airplane, The Flying Burrito Brothers e Crosby, Still, Nash & Young. Seria uma espécie de “Woodstock do Oeste”. Porém, houve problemas desde o início. Originalmente programado para acontecer no Golden Gate Park, San Francisco, não foi concedida a  licença. Tentaram negociar o espaço da Sears, que também não deu certo porque o proprietário exigia direitos sobre as filmagens e não chegaram a um acordo. Muito tempo já havia passado, e quando se decidiram por Altamont, estavam há apenas 2 dias da data marcada. Em 4 de dezembro, anúncios começaram a circular por toda a mídia, divulgando o festival. Um dos pontos considerado inadequado foi o preço do ingresso, entre 7 e 8 dólares, ao invés dos habituais 4 ou 5 dólares. Para um público aproximado de 300.000 pessoas, a infra-estrutura também ficou precária, como por exemplo, toaletes e barracas médicas em quantidade e espaço muito aquém do necessário. O palco tinha apenas 1,21 m de altura, e o erro-mor, foi contratar os Hell’s Angels para fazer a segurança do festival.

Já no show do Jefferson Airplane, os Hell’s Angels, espancaram um garoto com tacos de sinuca. Marty Balin, do Jefferson, chegou a perder os sentidos, quando pulou no meio da multidão para tentar parar os Hell’s de bater em outro garoto hippie, com seus tacos. Consta, segundo o Guardian, que ele foi o único músico a intervir físicamente.

Os Stones chegaram de helicóptero no meio da tarde, e um garoto gritava na cara de Mick Jagger, “I hate you, I hate you”. A área do palco parecia um hospital, com pessoas que eram levadas para lá inconscientes, e onde avisos eram dados sobre atendimento médico.

Mas o clímax ainda não havia chegado. Os Stones estavam no palco e tocavam “Sympathy for the Devil”. Alguma confusão fez com que parassem a música por um momento e logo retomaram. Foi quando um jovem negro, Meredith Hunter (1951-1969), provocado por alguns Hell’s Angels, sacou uma pequena pistola e sacudiu-a no ar. Então foi esfaqueado muitas vezes no pescoço e nos ombros por Alan David Passaro, e espancado até a morte enquanto os Stones tocavam “Under my Thumb”, alheios ao que estava acontecendo.

foto : The Guardian

Quando perceberam, a música foi interrompida e Mick implorou para que parassem a briga, mas ele não tinha controle algum sobre a situação. O assassino, alegando agir em auto-defesa, foi absolvido. Mas em 1985 seu corpo foi encontrado boiando no Reservatório Anderson, com US$ 10.000 no bolso.

Eamonn MacCabe, fotógrafo do Guardian, disse : “Era um lugar estranho e sinistro. Eu cheguei cedo no dia e era muito claustrofóbico. Fui com a intenção de filmar os Stones na minha pequena Super 8, mas demorei horas para abrir caminho até a frente do palco. Eu queria ver mesmo era Crosby, Still, Nash &Young e tudo parecia calmo. Aí, durante o show do Jefferson Airplane, eu vi um garoto sendo atacado pelos Hell’s. Todos tentamos correr. Mas não havia espaço físico para isso”. (…) ”O que me lembro era de um sentimento de escuridão, de perigo presente. (…) Mick (vestido com uma capa e um pentagrama bordado em sua roupa) se movimentava em seu palco satânico. Mas quando a violência emergiu em torno dele, súbitamente ele se tornou muito pequeno e vulnerável”.

Depois disso, os Dead se recusaram a tocar, por causa da violência, e foram embora de helicóptero. Os Stones desembarcaram minutos depois, em um terminal do Aeroporto de Los Angeles, chocados. Stanley Booth escreveu : “Mick sentou-se em um banco de madeira, desnorteado e amedrontado, sem capacidade para compreender o que havia acontecido – quem eram os Hell’s Angels ou porque eles estavam matando pessoas em seu show de paz e amor…’Eu devia ter chamado os guardas’, disse Mick”.

Country Joe McDonald disse que “Woodstock e Altamont são como grandes experimentações sociais do final dos anos 60. Mas realmente, não foram. Altamont foi errado desde o começo por razões claras : lugar ruim, organização ruim, cobiça, arrogância, estupidez. Woodstock funcionou porque as pessoas não se sentiram usadas. Woodstock foi progressista, na direção da sabedoria, de união das raças. Foi um triunfo da tecnologia. Um modelo para que um festival seja bem sucedido”.

Não dá para não comparar Woodstock e Altamont. Do sonho ao pesadelo em apenas 4 meses de diferença.

Fontes :

Christopher Andersen, in “Mick Jaegger – Biografia Não Autorizada”

David Dalton (Rolling Stone) : “Altamont : An Eyewitness Account”

www. guardian.co.uk

É estranho colocar esse vídeo de lançamento do Fiat 500  nesse blog, mas achei o material interessante e principalmente a estratégia utilizada. Esse carrinho faz parte da nova onda de lançamentos nostálgicos repaginados. É um filão que bate em cheio no coração das pessoas. Mini Cooper, Volkswagen Beetle, Smart e em breve Citroen, são marcas e modelos que estão se engalfinhando pela fatia maior desse mercado. No caso do Fiat 500, eu dizia que me chamou a atenção, a estratégia utilizada. É sabido que o Fusca é um beetle, nome associado facilmente a Beatles. Existe publicidade da Volkswagen com o New Beetle ao lado dos Beatles, ou específicamente do John Lennon. É aí que entra o vídeo acima. Eles dizem que esse carro representa um novo tempo, um tempo voltado para o futuro, para seus filhos que estão nascendo agora. Então você imagina que em 2020, seus filhos estarão com 10, 14 anos, quando o mundo estará transformado pelas sofisticadas máquinas que comandarão nossos cotidianos. E, com paisagens psicodélicas daquele futuro e uma trilha sonora divertida calcada no “Obladi Oblada” dos Beatles, eles dizem que esse futuro já chegou no carrinho da Fiat. Passado e futuro no presente. É um ataque frontal à Volkswagen (e ao Mini Cooper, que tem até um modelo em homenagem a George Harrison lançado em 22 a 24 de maio 2009 em Londres), porque antecipa-se na questão de associação de imagem e com custo muito menor  que 0 Beetle se utilizasse a marca Beatles. E para finalizar, o passeio dos carrinhos termina diante de uma faixa de pedestre, o que nos remete imediatamente à capa do Abbey Road. Isso em um momento em que os Beatles estão amplamente de volta à mídia mundial com lançamento dos álbuns remasterizados, matérias de capa de revistas como Rolling Stone e Bravo aqui no Brasil. Aí, um robozinho maior seguido de 4 robozinhos menores, atravessam a faixa, mas no sentido inverso do percorrido pela banda na foto da capa do disco. É como se dissessem, ‘ vocês estão voltando ? Nós também’.

The Beatles by Robert Whitaker, 1964 

Está rolando na National Portrait Gallery, Londres, a exposição Beatles to Bowie, que reune fotografias das personalidades da música pop que ajudaram a criar a Swinging London, nos anos 60. Teve início em 15 de outubro de 09 e segue até 24 de janeiro de 2010. Em tradução livre, ” Mais de 150 fotografias organizadas de acordo com os acontecimentos, ilustram como a imagem fotográfica,  música e performance tornaram esses pop stars em ícones de seu tempo”.

The Rolling Stones by Gered Mankowitz, 1967

“As imensas mudanças culturais e sociais eram refletidas no estilo e imaginação da cena musical pop. A clássica rivalidade entre The Beatles e The Rolling Stones é mostrada visualmente por uma grande variedade de fotógrafos top, como David Bailey, Gered Mankowitz, Robert Whitaker e David Wedgbury”.

Catherine Deneuve by David Bailey, 1968

“Do puro pop, através da psicodelia e o nascimento da música progressiva, Beatles to Bowie explora o dramático desenvolvimento da música e cultura pop e seu impacto, vivo na memória  até os dias de hoje”.

David Bowie by David Wedgbury, 1966

De 1960 a 1969, é só clicar sobre o ícone de cada ano para acessar as imagens e suas histórias. Existe também um link (competition) para concorrer a 2 noites no Trafalgar Hotel e shows no Royal Albert Hall.

Veja em:    http://www.npg.org.uk

Olha só, a revista Rolling Stone Brasil, publicou em seu último número, seu ranking d’As 100 Maiores Músicas Brasileiras, uma árdua tarefa que tem como júri,  um time formado por 89 pessoas, entre jornalistas e profissionais da música. Mas não publicaram a metodologia que imaginaram ser capaz de dar um equilíbrio final ao resultado. Imagino que há um cruzamento forte de várias faixas etárias na composição do júri, e é muito difícil estar de acordo com o resultado, principalmente  aquelas entre as primeiras. Cada indivíduo do júri escreve sobre algumas das músicas, informando sobre quando e em que álbum cada uma foi publicada e curiosidades a respeito da música em questão. Fica uma sugestão para quem quiser, que faça seu (pelo menos) Top 10 das maiores músicas brasileiras. Segue o Top 10 da Rolling Stone. Para conhecer as outras veja em www.rollingstone.com.br

Top 1

Construção – Chico Buarque, Construção, 1971 (Chico Buarque)

Bossa Nova, Samba, MPB, Rock, Tropicália, ditadura, tudo isso acontecendo e Chico Buarque compondo samba, fazia MPB com uma cara inovadora e suas canções eram (são) construídas com genialidade poética – que driblava a censura da época – sobre assuntos que abordavam a realidade social com contorno político. E ainda contava (conta) com um forte magnetismo pessoal. Filho de figura intelectual destacada na cultura brasileira, fazia a defesa do samba de forma que atingia em cheio os jovens de classe média que buscavam uma ideologia revolucionária e a mudança de valores.

Top 2

Águas de Março – Tom Jobim e Elis Regina, Matita Perê, 1972 (Antonio Carlos Jobim) 

Os gênios da música e da voz finalmente reunidos. A voz de Elis é um instrumento de fino artesanato perfeito para os ouvidos em mais uma composição genial do Tom.

Top 3

Carinhoso – Pixinguinha (Pixinguinha – João de Barro)

Pixinguinha escreveu essa melodia com 18 anos (1917,1918). Considerada um ds maiores hinos do cancioneiro nacional, teve a letra escrita em 1937 por outro genial autor, o João de Barro, que é nada mais nada menos que o Braguinha.

Top 4

Asa Branca – Luiz Gonzaga (Luiz Gonzaga – Humberto Teixeira)

Luiz Gonzaga é o Rei do Baião e foi imortalizado por essa canção. Representa a voz dos retirantes e oprimidos pela seca do Nordeste, em sua paisagem cruel  na solidão da caatinga.   

Top 5

Mas Que Nada – Jorge Ben (Samba Esquema Novo, Jorge Ben,1963)

Certamente um dos maiores discos de todos os tempos. E Mas Que Nada, abre o lado A do LP com muita energia, balanço e inovação. Em uma época de grandes acontecimentos musicais, com a Bossa Nova estourando no mundo, Jorge ’sentou praça na cavalaria’ dos grandes compositores e instrumentistas brasileiros, criando um novo jeito, uma nova batida. Um gênio. Abriu uma fronteira nova.

Top 6

Chega de Saudade – João Gilberto (Antonio Carlos Jobim – Vinícius de Moraes, 1957)

Foi na voz e no jeito de João Gilberto que essa composição de Tom e Vinícius, tornou-se o marco, o nascimento da Bossa Nova, em 1958. E a Bossa Nova tornou-se o marco de uma ruptura com os excessos do samba e do samba canção. Ficamos apenas com o essencial. A batida de João, o amor, o sorriso e a flor. Seu jeito de tocar e cantar tornou simples o que é complexo, uma reinterpretação de mundo que o deixou novinho em folha de novo, porque é gênio.

Top 7

Panis et Circensis – Os Mutantes (Gilberto Gil – Caetano Veloso, 1968)

Os baianos chegaram e os garotos (e garota) paulistanos se divertiram para valer. Tudo é irreverência e invenção. Essa canção foi escrita para o Tropicália ou Panis et Circencis, pela nova dupla que já se consagrava como grandes talentos da MPB, Gil e Caetano.

Top 8

Detalhes – Roberto Carlos (Roberto Carlos – Erasmo Carlos, 1971)

Fase pós Jovem Guarda com Roberto Carlos mudando o foco de sua carreira.  É a obra prima da dupla.

Top 9

Canto de Ossanha – Baden Powell – Vinícius de Moraes (Baden Powell – Vinícius de Moraes, 1966)

Baden Powell é um dos maiores violonistas do Brasil. Vinícius de Moraes dá uma guinada de rumo, saindo da paisagem bossa-novista para os Afro-Sambas, que como o nome diz, tem influência da cultura negra africana, candomblé e solos de berimbau.  Mais o violão de Baden e uma produção impecável.

Top 10

Alegria, Alegria – Caetano Veloso (Caetano Veloso, 1967)

Quando ouvi essa música pela primeira vez, senti algo que poderia ser muito difícil de se sentir numa época em que se ouvia discos como Sgt Peppers, por exemplo. Foi uma lufada de ar fresco, de liberdade de pensamento, de provocação e simplicidade nessa colagem de imagens solares e ensolaradas, com as guitarras dos Beat Boys (argentinos) como acompanhamento. Enfim, o Brasil tinha sua antena pop sintonizada com o que acontecia de criativo no mundo. Pré Tropicalismo.

PP&M é um trio de música folk formado em 1961 (até 1972) e tiveram suas primeiras performances nos coffee shops do Greenwich Village, bairro boêmio de New York.

Essa é uma pequena homenagem ao grupo e em especial a Mary Travers  (9.11.36 – 16.09.09), a voz feminina do trio.

Peter Yarrow, Noel “Paul” Stookey e Mary Travers, tinham uma harmonia melódica maravilhosa e foram os responsáveis pela popularização das canções de Bob Dylan, que com sua voz anasalada não era bem assimilado pelo público, no comecinho de sua carreira.

Em novembo de 1963, mês do assassinato de Kennedy, eles tinham 3 álbuns nos primeiros lugares das paradas. Seus principais sucessos foram “Puff, The Magic Dragon”, “If I Had a Hammer”, “Leaving on the Jet Plane” de John Denver, que foi seu último top 40, em 1969. E óbviamente “Blowin’ in the Wind”, de Dylan,  cantada por eles na “Marcha para Washington” de Martin Luther King, ocasião de seu famoso discurso “Eu tenho um Sonho” (v. nesse blog post Direitos Civis nos EUA, Martin Luther, 4 fev 08). Fizeram muito sucesso por aqui também, e todos cantávamos essas canções, nesse início dos 60.

Mary Travers faleceu de complicações com a quimioterapia, em seu tratamento para combater  uma leucemia.

Muitas pessoas que deram seu brilho nos anos 60 estão nos deixando agora, mas estarão sempre conosco em nossas memórias.

John Bonham foi o baterista indicado por Robert Plant para Jimmy Page, quando este procurava músicos para formar o Led Zeppelin, uma das maiores bandas de rock de todos os tempos, depois que o The Yardsbirds - por onde haviam passado Jeff Beck e Eric Clapton (em tempos diferentes) – desmantelou – se e os contratos remanescentes ficaram na mão de Jimmy, daí a necessidade de montar uma nova banda, para cumprir esses contratos. O Led surgiu para o mundo em setembro ( o mês de nascimento e morte da banda, mas só oficializado em 4 de dezembro de 1980) de 1968 com a seguinte formação (foto abaixo, a partir da esquerda): John Bonham (baterista), Robert Plant (vocalista e gaita), Jimmy Page (guitarra e vocal) e John Paul Jones (baixo e teclado).

O Led Zeppelin se preparava no Bray Studios para uma turnê nos EUA. Em 24 de setembro de 1980, entre o trajeto do hotel para o estúdio e depois, na casa de Jimmy em Windsor, para onde foram depois, Bonham bebeu uma quantidade absurda de álcool, as famosas 40 doses de vodka. No dia seguinte, 25 de setembro de 1980, por volta das 13:45 hs, Benji Lefevre, o técnico de som, foi acordá-lo e encontrou-o sem pulso. O médico constatou sua morte. John Bonham sufocou em seu próprio vômito. Um acidente. Não foi encontrada presença de drogas em seu corpo, revelou a autópsia.

Sua morte foi responsável pelo fim da banda. John Bonham, 32 anos, auto didata, insubstituível. Ponto final. E o (Led) Zeppelin, uma aterrissagem forçada.

Visite o site oficial do Led Zeppelin:

www.ledzeppelin.com

Nem sempre o fato de ser escrito há mais tempo representa um número maior de visitas. Por esse motivo coloco 2 rankings. Um desde set 2007 quando iniciei o blog (um total de 55 posts editados), e outro com as visitas nos últimos 30 dias. Aí vai.

TOP 5 dos posts do 60 desde sua criação (set 07)

1. Mortes Trágicas no Universo Rock – Sharon Tate – 11.969 visitas

2. Hippies – 4.763 visitas

3. Mortes Trágicas no Universo Rock – Jim Morrison – 4.494 visitas

4. “A Queima dos Sutiãs”… – 3.697 visitas

5. Hit Parade Paris 1968 – 3.260 visitas

TOP 5 – Últimos 30 Dias (16 jul 09 a 16 ago 09)

1. Mortes Trágicas no Universo Rock – Sharon Tate – 5.143 visitas

2. Woodstock – 1.334 visitas

3. Mortes Trágicas no Universo Rock – Jim Morrison – 957 visitas

4. Os Maiores Cantores de Todos os Tempos – 658 visitas

5. Hippies – 345 visitas

Agradeço aos leitores que curtem o 60.  Um grande abraço a todos.

Este é o último álbum gravado pelos Beatles e seu penúltimo lançamento. Isso porque Let it Be foi gravado em janeiro de 1969 e lançado em 6 (UK) e 11 (US) de março de 1970. O Abbey Road (que quase se chamou Everest, marca de cigarro usada por um dos técnicos que fumava sem parar) teve as gravações finalizadas em 25 de agosto de 1969 e foi lançado em 26 de setembro (UK) e 1 de outubro (US) de 1969. Portanto, completa 40 anos em 2009. Dos tempos selvagens de Hamburgo e da loucura da beatlemania, o salto foi grande, e o que já vinha ocorrendo desde Rubber Soul, o álbum mostra muita maturidade musical e canções finamente elaboradas e executadas, que apesar da imensa tensão existente, não tirava o brilho das músicas, que continuavam “afiadas e ousadas”. As discordâncias foram potencializadas por várias ocorrências. Um acidente de carro na Escócia com John e Yoko grávida, tiraram John de várias sessões de gravação. Mas quando voltou para o estúdio estava alegre e de bom humor. 

Mas para piorar o clima, Yoko, em sua gravidez delicada (perderia o bebê entre 9/12 de outubro), pede para ficar numa cama dentro do estúdio, onde ficava tricotando e dando palpites. Muita tensão. Linda, esposa de Paul, estava para dar à luz (Mary nasceu em 28 de agosto). Ambos Paul e John passavam a ter opiniões diametralmente opostas. Nunca estavam juntos quando viajavam.

 Em 31 de agosto, George e Pat, Ringo e Maureen, John e Yoko vão ao Festival da Ilha de Wight (200.000 pessoas), para ouvir Bob Dylan. Ok, Paul havia acabado de ter uma filha. A situação pós morte de Brian Epstein, de Beatles – Plastic Ono Band – Phil Spector/George Martin – Allen Klein – John Eastman – Apple – Nems – Northern Songs, mostrava claramente o grau de disputas por interesses e lutas por poder. Após o fim oficial da banda, Allen Klein, o empresário substituto, foi parar na justiça por ter roubado £ 5.000.000 dos Beatles. You Never Give me Your Money satiriza esse episódio e as dificuldades financeiras geradas pelos desacertos contínuos de gerenciamento do produto do século. Ainda antes do lançamento de Abbey Road, John convida seus amigos Klaus Voorman, Eric Clapton e Allan White, para fazerem parte de uma banda com ele e Yoko, a Plastic Ono Band, para tocar em Toronto, Canadá. Logo depois, John avisa que está se retirando da banda, mas, por causa do momento complexo e delicado da Apple, foi aconselhado a não tornar público esse fato.

A logomarca da Apple foi inspirada na obra do pintor surrealista belga René Magritte (1898 – 1967). Para mim faz sentido a obra de um artista modernista ser o símbolo do principal ícone dos 60, na era pós-moderna. Como isso aconteceu ? Paul MacCartney contou em entrevista que havia dito ao seu amigo e galerista Robert Fraser, que amava Magritte e seu grande senso de humor. Um dia, Robert deixou sobre a mesa de Paul (que estava no jardim filmando alguns takes junto com os outros e não quis incomodá-los), uma pequena obra que era uma maçã com uma frase escrita “Au revoir”.

“Le jeu de mourre”,  título da obra, é um óleo sobre tela de 1966, 30×40 cm, inexplicavelmente barata para a época. Acharam que a obra tinha um conceito muito interessante e tornou-se inspiração para o logo. Então decidiram cortá-la na metade para o lado B. Apareceu pela 1ª vez no Sgt. Pepper’s, de 1967, ano da morte de Magritte.

George Harrison, que se firma como compositor de primeira linha a partir desse disco (mas já tinha feito algo como Taxman, para o álbum ‘Revolver’, 1966), comenta na época de seu lançamento: ” Eu não consigo ter uma visão completa de ‘Abbey Road’. Com ‘Pepper’, e até o ‘Álbum Branco’, eu tive uma imagem do começo ao fim do produto, mas nesse disco eu ainda estou perplexo. Acho que é parecido um pouco com ‘Revolver’, não sei direito. Não consigo realmente vê-lo como uma entidade completa”. Muitos consideram esse álbum como o melhor da banda.

Foi o 1º a utilizar 8 canais e uma nova ferramenta, o sintetizador Moog,  (George trouxe da Califórnia em 1968) que seria utilizado largamente por bandas de rock progressivo nos anos 70. O álbum foi para o Top 1 uma semana depois de ser lançado e lá ficou por 18 semanas. No ranking da Rolling Stone, aparece como  Top 14  dos “Melhores Álbuns de Todos os Tempos”.

Uma banda de maçã

Realmente o álbum tem momentos brilhantes como Come Together, música de maior impacto, composta por John a pedido de Timothy Leary, que a usaria em sua campanha para governador da Califórnia, contra Ronald Reagan. Não usou. Reagan contra atacaria dizendo que seu adversário era usuário de drogas, etc. Ian MacDonald, em seu “Revolution in the Head ” diz, em Come Together, que “o preâmbulo pessoal é lançado na esfera pública e elevado ao nível de (anti)ideologia: uma chamada para libertar a imaginação e, pela montagem de uma linguagem livre, desintrincheirar da rigidez emocional e política. A canção continua um tema consistente no trabalho de Lennon, desde I Am The Walrus  - em parte originada em seu LSD e em parte embebida na atmosfera contracultural da anarquia anti-elitista como definida por eruditos como Marshall McLuhan, Arthur Janov, R.D. Laing e Herbert Marcuse. O arquétipo de anti-políticas contracultural como apresentadas em Come Together estava no espírito rebelde da sabedoria hippie: o guru atordoante/shamã espelhado em Timothy Leary, Ken Kesey, o personagem fictício Don Juan de Carlos Castañeda e figuras como o Mulá Nasruddin e os mestres Zen do Oriente”. O lado 1 finaliza com a minha preferida I Want You (She’s So Heavy). É uma canção cuja frase solo é blues com John tocando a guitarra, e cantando. E tocando o Moog de George, aquele efeito de ventania no final da música. Nenhuma música dos Beatles carrega um teor de emocional tão extremo quanto essa. Tem também as canções de George, e ainda a maravilhosa Because, uma das mais interessantes do disco. E o lindo Long Medley no lado 2, músicas de John e Paul, todas juntas desde You Never Give Your Money, que parece ser duas músicas, diferentes uma da outra. Depois vem Sun King (escrita por John e que originalmente chamou-a de Los Paranois), passando  por duas músicas escritas na India, Mean Mr. Mustard e Polytheme Pam, depois entra She Came In Through the Bathroom Window, Golden Slumbers e Carry that Weight (outra provocação a Allen Klein) onde Ringo faz um solo de bateria seguido de solos de guitarra dos outros 3, que se cruzam num crescente até The End. Fim.

Vinte segundos se passam para entrar Her Majesty fechar o disco e também uma era. A banda só acabaria oficialmente em 10 de abril de 1970. Sobre isso, Mário César Carvalho, escreveu em 1 de dezembro de 2001 (Folha de São Paulo, Ilustrada) : “Os Beatles ajudaram a criar um novo tipo de mercado para a música pop: aquela em que a mística da contestação vale tanto quanto o som. Os Rolling Stones só acrescentaram um viés mais assustador, como a propaganda que faziam dos negros marxistas dos Panteras Negras, porque tinham que cumprir um papel diferente: deveriam parecer mais perversos, mais sexualizados, mais drogados. Justiça seja feita: foram os próprios Beatles que inauguraram a cena de expor o mal-estar causado pelo comércio do que julgavam ser contestação. A troca do terninho mod por cabelos e barbas desgrenhados é o símbolo mais óbvio desse mal-estar. O subtexto da mudança visual é mais ou menos óbvio: já que me transformaram em mercadoria, a ofensa suprema para hippies e revolucionários românticos, você vai ter de me engolir do jeito mais insuportável possível. O fim dos Beatles foi o fim desse jogo”.

A capa

A capa de Abbey Road foi idéia de Paul e o design gráfico do diretor de arte da Apple, o Kosh. A foto é de Iain Mcmillan, e levou cerca de 10 minutos para ser feita, em 8 de agosto de 1969, as 10 : 35 hs am. É uma das imagens mais famosas de todos os tempos e uma das mais copiadas. Se isso é verdade, como pode uma imagem tão simples, tranquila e até banal em um lindo dia de verão – como no filme “Veludo Azul” (1986, David Lynch) que começa mostrando o cotidiano de uma simpática e pacata cidadezinha, e como sabemos, não é bem assim. NADA É O QUE PARECE. Ou como em “Alice no País das Maravilhas”, de Lewis Carroll (que é citado por Lennon em “I am the Walrus”) - conter tantos sinais e significados e alimentar uma nova onda de notícias pelo que ficou conhecido como os rumores de “Paul está Morto”. Esses rumores eram baseados em sinais abundantes e sutis que começaram a aparecer no álbum “Collection of Beatles Oldies”, lançado apenas na Inglaterra em 10 de dezembro de 1966. Quem viveu nessa época se lembra da onda de boatos. Acontece que a suposta morte de Paul ocorreu em 9 de novembro de 1966, decapitado em um acidente de trânsito com seu Aston Martin. “He blew his mind into a car. He didn’t notice that the lights have changed…” (A Day in the Life, Sgt. Peppers, 1967). O nº 9 é recorrente em músicas dos Beatles ou de John Lennon (Revolution nº 9,  Number 9 Dream). Músicas tocadas de trás para frente, capas, livretos dos álbuns, tudo é normal até que os detetives de sinais mostram para onde você tem de olhar e aí não dá para não acreditar numa conspiração muito bem articulada, porque não é possível que tanta coisa se agrupe ao acaso, sinais tão sofisticados que pululam por toda a discografia dos Beatles, a partir do álbum citado acima. Sgt. Pepper é abundante nesses sinais, e para citar apenas um, se você colocar um espelho na horizontal encostado na metade da palavra Beatles na bateria da banda, aparecerá a data da morte de Paul. Abbey Road foi o estopim que desencadeou ainda mais a lenda urbana “Paul is Dead”.  E como é de Abbey Road que estamos falando… Bom, foi a partir daquela foto que foi dito que era uma procissão, liderada por John, de branco, como o clérigo. Ringo, de preto, é o agente funerário. Paul, o cadáver, o único descalço (na U.K. os mortos são enterrados descalços) e o único em descompasso em relação aos outros. E seus olhos estão fechados. Havia o rumor de que era um sósia, porque segurava o cigarro (coffin nail) com a mão direita e todos sabem que Paul é canhoto. Ao fundo, alinhado com Paul, se vê um carro, como se tivesse passado por ele e seguido em frente. E George, com jeans (roupa de trabalho) é o coveiro.

Atrás de George tem um fusca (beetle), que alguém disse que era do John, mas isso não deve ser verdade, porque consta que a produção queria retirar o carro do ângulo de visão da foto, e como se sabe, não conseguiu. O dono do carro era um jovem sueco que estava de férias, e seu carro ficou para a posteridade.

Como se vê na foto, sua placa é “28IF” (IF = SE), sugerindo que teria 28 anos SE estivesse vivo. Na verdade Paul tinha 27 anos na época. Mas em algumas culturas, especialmente as orientais (que eles frequentavam), a idade é contada a partir da concepção. Por esse ângulo ele teria 28 anos SE estivesse vivo. Também se vê as letras “LMW”, que pode-se interpretar como “Linda McCartney Weeps” (Linda McCartney Chora). Ou, “Linda McCartney Viúva” (Widow).

 No lado direito da via tem uma van da polícia estacionada, como fazem sempre no atendimento de alguma ocorrência e permanecem parados no local. O homem em pé na calçada é um turista americano que só ficou sabendo que saiu na capa do disco muitos anos depois. 

Na contra capa do álbum, à esquerda da palavra Beatles tem 8 pontos que conectados formam o nº 3 e então se lê 3 Beatles.

 Há também uma rachadura no muro que corta o S de Beatles. E à direita tem uma sombra muito estranha que parece uma caveira. A mulher passando é supostamente Jane Asher, a namorada de Paul na época do acidente que o ‘matou’, e que teria sido paga em troca de seu silêncio sobre o assunto. E se olhar para o cotovelo dela, de uma certa distância, poderá ver um suposto perfil de Paul. Ou algo do tipo. Em Come Together a linha “One and one and one is three…” sugere que há 3 beatles em vez de 4. É uma viagem.

O fusca da capa foi vendido em 1986 em um leilão por US$ 23.000, e hoje pertence ao Museu da Volkswagen, na Alemanha.

Em 9.09.09, uma data única que não se repetirá, a Apple e a EMI lançarão 2 caixas com todos os CDs da banda, remasteurizados, em estéreo e MONO, com DVDs (documentários), libretos e fotos produzidos especialmente para esse lançamento.

Para quem quiser conhecer outras pistas :

The Michigan Daily, 14 oct 1969, v. McCartney Dead: New evidence brought to light

www.folha.uol.com.br / www.mensagemsubliminar.com.br / www.thebeatles.com.br

Webcam 24 hs em Abbey Road (cortesia do leitor Douglas querubim): www.webviews.co.uk/network/camera/england/london/abbeyroadbeatlescam.html

Esse disco de Miles Davis, lançado em 17 de agosto de 1959 pela gravadora Columbia, e portanto completa 50 anos, é considerado a obra máxima do jazz e portanto, um dos mais influentes de todos os tempos, por causa de sua abrangência em ‘n’ tendências musicais. Kind of Blue é resultado das experimentações que Miles vinha fazendo desde “Milestones” e “58 Sessions”. A banda formada para acompanhar esta gravação só pode significar que o centro da galáxia é aqui:

Miles Davis – trompete

Julian “Cannonball” Adderley – sax alto

John Coltrane – sax tenor

Bill Evans (Wynton Kelly toca em “Freddie T Freeloades”) - piano

Paul Chambers – contrabaixo

Jimmy Cobb – bateria

“Trata-se de um momento que definiu um gênero musical do século 20 e ponto final”. Seth Jacobson (SJac), em “1001 Discos para ouvir antes de morrer”, de Robert Dimery, Editora Sextante (selecionados e comentados por 90 críticos de renome internacional).

Glaze Painting Cerulean Blue – Oil on Canvas, Marcia Hafif, 2004

www.artnet.com

 A qualidade espiritual desse disco (em tempo: foi gravado em uma igreja de Manhattan transformada em estúdio de gravação) me transporta para uma pintura feita de sobreposições de transparências, e faz-me lembrar de um amigo, Otávio Pereira, gravador (litogravura) que um dia me falou que tinha ido para Los Angeles, EUA, para fazer um estudo sobre os diversos tons de azul (nada a ver com o título do disco). Perguntei de quantos tons se tratava e ele me respondeu que havia chegado a 800 tons, mas que existem muito mais que isso. E assim é com a música, e assim é com a qualidade espiritual desse disco.

A National Academy of Recording Merchandising and Rock and Roll of Fame divulgou em março de 2007 os 200 discos indispensáveis de todos os tempos. 4 títulos de jazz estão entre os 200:

Kind of Blues – Miles Davis – Top 34

Love Supreme – John Coltrane – Top 78

Time Out – Dave Brubeck – Top 150

Breezin’ – George Benson – Top 177

Na lista da Rolling Stone dos “500 Melhores Álbuns de Todos os Tempos”, Kind of Blue aparece em Top 12, onde vários gêneros musicais estão presentes nessa elaboração: rock, blues, jazz, hip hop, folk, etc.

Eis os Top 15 dessa lista:

1. Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, The Beatles

2. Pet Sounds, The Beach Boys

3. Revolver, The Beatles

4. Highway 61 Revisited, Bob Dylan

5. Rubber Soul, The Beatles

6. What’s Going On, Marvin Gaye

7. Exile on Main Street, The Rolling Stones

8. London Calling, The Clash

9. Blonde on Blonde, Bob Dylan

10. The Beatles (White Album), The Beatles

11. The Sun Sessions, Elvis Presley

12. Kind of Blue, Miles Davis

13. Velvet Underground & Nico, Velvet Underground

14. Abbey Road, The Beatles

15. Are you Experienced ?, Jimi Hendrix Experience

Saiba + em: “Kind of Blue – A História da Obra Prima de Miles Davis”, de Ashley Kahn, Editora Barracuda.

Um mês depois de o homem pisar na Lua, aconteceu na fazenda de leite alugada de Max Yasgur, em Bethel (com 2.300 habitantes, não comportava o evento), NY, costa leste dos EUA, o Woodstock Music & Art Fair, ou como é mais conhecido, Festival de Woodstock, aconteceu entre os dias 15 e 17 de agosto (6ª a domingo) de 1969 e completa 40 anos nesse ano de 2009. 

Foram 3 dias (muita gente permaneceu acampada depois do evento. E consta que Jimi Hendrix tocou às 9 hs da manhã de 2ª feira, dia 18) de sexo livre, drogas, rock’n'roll, cenas de nudismo, confrontando todas as regras do stablishment. Pode ser considerado o auge da contracultura e da era hippie, culminando com o fim da década, que se tornava difícil e confusa.  Em 21 de agosto, os tanques soviéticos invadem Praga para reprimir protestos de aniversário da invasão de 1968. A guerra do Vietnã em escalada, o assassinato de Sharon Tate e de seus amigos pela família Manson, o assassinato de Martin Luther em Memphis, Tenessee, e ainda a morte de Robert Kennedy, também abatido a tiros, foram eventos emblemáticos desse tempo. E em 5 de dezembro durante o concerto dos Rolling Stones em Altamont, Califórnia, os Hell’s Angels, contratados para fazer a segurança do evento, assassinam o jovem negro Meredith Hunter, que assistia ao show. Década de extremos.

O Festival de Woodstock foi uma celebração à chegada da Era de Aquário, e nada representava melhor do que isso, o significado dessa Nova Era. Ou melhor, um outro evento que culminou em 20 de julho de 1969, carregava em si o mesmo simbolismo: a chegada do Homem (da Humanidade) à Lua. Outra utopia que se tornava realidade. O homem saltou de seu último limite terrestre, a conquista do Everest, em 1953 (Edmund Hillary e Tenzing Norgay), para o espaço exterior, o lançamento do primeiro satélite artificial, o Sputnik (1957), e as primeiras naves do programa espacial soviético. E com a motivação da Guerra Fria, os anos 60 dão início a uma nova utopia. Em 1961, o presidente John Kennedy, lança o desafio de colocar astronautas na Lua ainda na década de 60. Isso é muito pós-moderno. Sua morte não modificou o roteiro do Programa Apollo – principalmente a Apollo 8 (representa a partida, porque colocou humanos além da órbita terrestre baixa); a Apollo 11 (representa a chegada, o objetivo alcançado); e a Apollo 13, pela epopéia que foi o retorno à Terra – que teve 17 missões, todas bem sucedidas (menos a Apollo 13, que mostrou a todos o nível de aventura que eram aquelas viagens).  Os soviéticos mudaram seu programa por causa do fracasso de seus foguetes para missão desse porte e passaram  a investir em vôos de longa duração em órbita baixa, que se mostrou muito eficaz nas experiências de permanência no espaço e suas implicações no organismo humano.

Não há nada mais representativo do simbolismo da Era de Aquário do que a imagem da própria Terra flutuando no imenso vazio, vista do espaço.

Quando a imagem foi divulgada aqui na Terra, o poeta Archibald MacLeish escreveu no “New York Times” : “Ver a Terra como ela realmente é, pequena e azul e bela naquele eterno silêncio em que flutua, é ver-nos como viajantes juntos sobre a Terra, irmãos nesse brilhante afeto em meio ao frio eterno – irmãos que agora se sabem realmente irmãos”. No livro “Nascer da Terra: como o homem viu a Terra pela primeira vez”, 2008, Robert Poole acredita que esse evento “é o nascimento espiritual do movimento ambientalista”, porque “é o momento em que o sentimento da era espacial deixou de ser o que ela significava para o espaço para ser o que significa para a Terra”.

O Festival de Woodstock foi projetado para 50.000 pessoas, chegaram 500.000 jovens,

daí o caos nas rodovias (os 160 km de estrada que liga Nova York a Bethel eram percorridos em mais de 8 hs, com gente abandonando seus carros nos acostamentos (?) e seguindo a pé) e na infra geral de produção, como alimentação e toaletes, compensados pela constelação de artistas que se apresentaram e pelo espírito de confraternização e da filosofia de paz e amor. 

Mesmo com a chuva que caiu no 2º dia, o que se viu foi tudo se transformar em brincadeira, todo mundo escorregando na lama, batucando com o que encontravam pela frente. Não houve pânico nem violência. Muitas mães levaram suas crianças ao festival.

Pessoas da região cooperaram com doações de frutas, sanduíches e enlatados, o que não significava de forma alguma que esses alimentos chegariam ao seu destino, por causa de fatores como o tráfego, para citar apenas um. Todos os espaços da fazenda foram tomados. A cobertura médica teve a participação de 70 médicos e 36 enfermeiras, que realizaram mais de 6.000 atendimentos, sendo que os casos mais graves eram levados de helicópteros para os hospitais. Morreram 3 pessoas, sendo 1 caso de overdose de heroína, 1 atropelamento por trator e 1 por crise aguda de apendicite. Houve também o nascimento de 2 crianças. 600 homens cuidaram do policiamento, entre seguranças contratados e policiais voluntários, que diante de tal situação, tiveram que fechar os olhos para os excessos de consumo de drogas e sexo livre.

Quem abriu o Festival foi Richie Havens com seu violão de 12 cordas.

Foi tocando até não ter mais músicas, então resolveu improvisar sobre uma música chamada “Motherless Child”, acrescentando a palavra ‘freedon’ e repedindo-a à exaustão, criou a empolgante “Freedon”, como ficou conhecida a canção, e sua performance foi incluida no álbum e no filme oficiais do festival. A produção tentou levar Beatles, Bob Dylan, The Doors, Led Zeppelin e Frank Zappa, mas não conseguiu. No caso dos Beatles, John impôs a condição de incluir a participação da Plastic Ono Band, o que fez com que a produção retirasse o convite. Apresentaram-se Jimi Hendrix, Janis Joplin (precisou de apoio para entrar no palco), Santana, The Who, Joan Baez, Joe Cocker (outro que entrou chapado, mas quem não ?)

Jefferson Airplane (acima), The Band, 10 Years After, Country Joe & The Fish, John Sebastian, Tim Hardin, Ravi Shankar, Arlo Guthrie, Canned Heat, Sly & The Family Stone, Grateful Dead (que teve problemas no som durante a apresentação, e porisso ficou fora do álbum que foi lançado posteriormente), Creedence Clearwater Revival, Crosby, Still, Nash & Young, Sha-Na-Na, Paul Butterfield Band, The Incredible String Band e outros. O Festival de Woodstock foi o estopim para que nos anos 70 houvesse uma explosão de reinvindicações de minorias étnicas e sexuais, de forma jamais imaginada pela sociedade norte-americana. Revoluções comportamentais, sexo alternativo (com respaldo das pílulas anticoncepcionais). O evento foi tranformado em documentário inovador (aparição simultânea de vários quadros na tela) por Michael Wadleigh. Foi lançado em 1970 e ganhou Oscar de “Melhor Documentário” de 1971. E graças ao filme - que íamos ver repetidas vêzes, em bando e chapados -  pudemos ter uma dimensão do que foi. O desbunde de Woodstock é pura contestação e ativismo. Cito Tom Wolf mais uma vez nesse blog, que chamou a década de 60 de ”We Decade” e a década seguinte de “Me Decade”, para concluir que finalizava ali em Woodstock uma era de experimentações e força criativa para dar lugar a uma egotrip voltada para a ascensão profissional e social e o rock sendo controlado pelo mercado. Quando Lennon disse “Dream is Over”, referia-se a isso. Embora exista uma discussão entre aqueles que afirmam  que 1968 e eventos como os festivais e o Movimento Hippie e os anos 60 não tenham contribuido para mudanças duradouras, digo apenas que ainda hoje, de alguma forma vivenciamos as mudanças ocorridas nesse tempo (v. post Hippies), inclusive para o fim da guerra do Vietnã e suas consequências positivas – porque eram pacifistas e sua exposição na mídia influenciou movimentos estudantis (não apenas eles) pela paz e pelo fim da guerra, e levando também em conta que a mesma mídia colocava imagens horrorosas da guerra na sala de jantar da classe média norte americana, ou seja, a opinião pública – também em relação aos direitos civis e minorias étnicas e sexuais, que se organizaram e foram à luta por seus direitos.

Grandes performances aconteceram. Talvez, o ponto máximo tenha sido quando Jimi Hendrix tocou o hino americano com sua guitarra imitando sons de bombas, metralhadoras e aviões e transformando sua performance num gesto ritualístico, ao botar fogo em sua guitarra.

Um museu foi criado no local onde aconteceu o festival. O Museu de Bethel Woods, inaugurado em junho de 2008.

+ imagens sobre Woodstock : www.woodstockwitness.com/filmcrew.html

Trilha Sonora – 1969

As 10+ Agosto 69, EUA

1. In the Ghetto – Elvis Presley

2. Je t’Aime…Moi non Plus – Jane Birkin & Serge Gainsbourg

3. Stay Awile – Lee Lynch

4. The Year 2525 – Zaeger & Evans

5. Honky Tonk Women – The Rolling Stones

6. The Ballad of John and Yoko – The Beatles

7. Give Peace a Chance – The Plastic Ono Band

8. Aardig Meisje van den Buiten – Marc Dex

9. Fiesta – Marva

10. Venus – Shocking Blue

fonte : Muziek. com

As 10+ de 1969 – EUA – Músicas que alcançaram o Top 1 em 1969

1. Aquarius / Let the Sunshine In – The 5th Dimension

2. The Year 2525 – Zaeger & Evans

3. Get Back – The Beatles

4. Sugar, Sugar – The Archies

5. Honky Tonk Women – The Rolling Stones

6. Everyday People – Sly & The Family Stone

7. Dizzy – Tommy Roe

8. Wedding Bell Blues – The 5th Dimension

9. I Can’t Get Next to You – The Temptations

10. Crimson and Clover – Tommy James & The Shondells

fonte : Billboard; The 60s Official Site

As 10+ 1969 – Brasil

1. As Curvas da Estrada de Santos – Roberto Carlos

2. Aquele Abraço – Gilberto Gil

3. Hoje – Taiguara

4. Aquarius / Let The Sunshine In – The 5th Dimension

5. País Tropical – Wilson Simonal

6. Get Back – The Beatles

7. Mustang Cor de Sangue – Marcos Valle

8. Sugar, Sugar – The Archies

9. I Started a Joke – Bee Gees

10. F…Comme Femme – Adamo

fonte : jovem-guarda.com